AI | DETTI E FUMETTI

Care amiche ed amici di DETTI E FUMETTI ROMICS oggi vorrei parlare di un tema centrale dell’arte contemporanea: l’uso della reference. E’ da secoli uno strumento tecnico-scientifico che è andato in auge con Canaletto divenendo un paradigma dell’era digitale. La reference rappresenta un’evoluzione fondamentale nei concetti di autorialità, memoria e rappresentazione.

Il ricorso a modelli, fonti visive e supporti meccanici od ottici ha da sempre accompagnato il processo creativo, trasformandosi nel corso dei secoli da dispositivo di precisione ottica a citazione concettuale, fino a diventare materia prima nell’era dell’inondazione d’immagini digitali.

L’Ottica del Settecento: Canaletto e la Camera Oscura
Nel XVIII secolo, con l’affermarsi del Grand Tour e il collezionismo illuminista, nasce la necessità di registrare la realtà urbana con un livello di dettaglio e accuratezza prospettica mai visto prima. In questo contesto si inserisce la figura di Giovanni Antonio Canal, detto il Canaletto (1697–1768).
Canaletto perfeziona il vedutismo veneziano impiegando come reference diretta la camera oscura ottica (camera obscura). Attraverso questo dispositivo, la luce filtrata da un piccolo foro o da una lente proiettava la scena reale all’interno di una scatola di legno su un foglio di carta, permettendo all’artista di tracciare con estrema fedeltà la linea dei palazzi, dei canali e delle architetture.
[Scena Reale] —> [Lente / Camera Oscura] —> [Proiezione su Foglio] —> [Disegno di Base] —> [Dipinto Finale]

Dal Rilievo Dal Vero alla Ricomposizione

L’uso della camera oscura per Canaletto non fu mai una mera riproduzione passiva. Essa serviva a costruire un corpus di bozzetti preparatori (carabotti), una banca dati di reference da riassemblare in studio. Canaletto riorganizzava la composizione alterando prospettive e scorci per ottenere un’armonia visiva superiore alla realtà stessa, inaugurando la prassi del “capriccio” prospettico.

L’Ottocento e l’Avvento della Fotografia: Dal Realismo all’Impressionismo
L’invenzione della fotografia nel 1839 ad opera di Daguerre scompagina il rapporto tra pittura e reference. Per la prima volta, la realtà può essere congelata senza l’uso del pennello.
La Fotografia come Strumento Preparatorio
I pittori accademici e realisti integrano immediatamente la fotografia nel proprio workflow:

Eugène Delacroix lavora con il fotografo Eugène Durieu per realizzare studi di nudo e anatomia, affrancandosi dalla necessità di disporre costantemente di modelli viventi.
Édouard Manet e Gustave Courbet utilizzano le stampe fotografiche per impostare le volumetrie e le pose dei propri soggetti, sfruttando il contrasto netto dei toni chiaro-scuri tipico delle prime emulsioni.
L’Analisi del Movimento: Eadweard Muybridge
Nel tardo Ottocento, le sequenze cronofotografiche di Eadweard Muybridge e Étienne-Jules Marey rivelano dettagli sul movimento umano e animale precedentemente invisibili all’occhio umano. Artisti come Edgar Degas traggono da queste sequenze una nuova consapevolezza del movimento dinamico, trasferendo nelle tele di ballerine e cavalli da corsa inquadrature fotografiche con tagli asimmetrici e prospettive ribassate.

Delacroix- uso della fotografia per evitare lunghe pose dei modelli

Manet – uso delle foto per definire i volumi

Degas – utilizzo foto per cogliere posizioni e movimenti cavalli

Il Novecento: La Reference come Citazione e Pop Art

Con il Novecento, la reference smette di essere soltanto un supporto per riprodurre la realtà e diventa la materia espressiva stessa.

1)Nel Dadaismo / Surrealismo vi è la Frammentazione della realtà, il recupero di immagini commerciali e quotidiane. Viene usata la. Tecnica del Collage, del Photomontage, Readymade. Esponenti di spicco sono Hannah Höch e Max Ernst.

Francis Bacon usa la Distorsione emotiva basata su foto mediche, frame cinematografici e lastre X. È Manipolazione visiva indiretta, memoria visiva frammentata.

Con l’avvento della Pop Art (Andy Warhol) nasce l’ Iconografia dei consumi. Le foto di cronaca, i volti celebri ricavati da giornali diventano opere d’arte grazie all’uso della serigrafia industriale, del tracciamento proiettato.

Roy Lichtenstein trasforma le sue reference in Vignette dei fumetti della Golden Age, ricreandole a dimensione monumentale.

Le trasporta proiettando su tela ed inserendo un retino Ben-Day ingrandito a mano.

Arriviamo successivamente all’
Iperrealismo di Chuck Close e alle sue Griglie fotografiche ad altissima risoluzione per ingrandimenti dettagliati. Trasposizione quadrettata punto per punto dal fotogramma.

Per Bacon, la reference era un catalizzatore per raggiungere il sistema nervoso dell’osservatore attraverso la deformazione della figura invece con
Andy Warhol e Roy Liechtenstein viene sdoganato la reference proiettata. Lichtenstein impiegava infatti un proiettore epidiascopico per ingrandire le vignette dei fumetti direttamente sulla tela, tracciandone i contorni. Negli anni ’70, gli Iperrealisti come Chuck Close e Richard Estes portano questo concetto all’estremo, codificando la fotografia attraverso griglie millimetriche e ricreando la profondità di campo e i riflessi tipici dell’obiettivo fotografico.

L’Era Digitale: Concept Art, Fumetto e Graphic Novel
Nel XXI secolo, l’uso delle reference si è capillarizzato in tutti i settori dell’arte visiva professionale, dall’illustrazione al fumetto, fino alla concept art per il cinema e i videogiochi.

Esistono Piattaforme dedicate, Software come Pureref, che consentono agli artisti di organizzare centinaia di immagini di riferimento su una lavagna infinita (anatomia, illuminazione, palette cromatiche, texture).

Con la Modellazione 3D integrata e l’uso di software come Blender o ZBrush per creare manichini anatomici e scenografie tridimensionali da illuminare a piacimento prima del disegno o della pittura la reference è divenuta centrale nella realizzazione dell’opera d’arte.

Visto il contesto da cui vi stiamo parlando un paragrafo a parte merita il fumetto.

La Reference nel Fumetto Contemporaneo
Nel mondo del fumetto d’autore e seriale (dalla scuola franco-belga al fumetto americano, fino al manga e alla scuola italiana), la documentazione visiva è essenziale per garantire la credibilità degli ambienti e la consistenza dei personaggi. L’uso di fotomodelli d’ispirazione e archivi d’epoca (per il fumetto storico o di ambientazione reale) permette agli autori di fondere verosimiglianza strutturale e stile grafico personale.

In questo contesto si inserisce la tecnica del Photo-bashing e del Matte Painting vale a dire dell’ Assemblaggio e sovrapposizione di foto reali rielaborate poi con la pittura digitale in Photoshop o Procreate per ottenere concept realistici in tempi ridotti.

Non si poteva toccare il seguente argomento senza finire nel turbine delle polemiche se prima non avessimo parlato di Canaletto e amici.

L’Era dell’IA Generativa: Dalla Reference al Prompt
L’avvento dell’intelligenza artificiale generativa ha introdotto un nuovo snodo teorico. I modelli LLM vengono addestrati su dataset composti da miliardi di immagini, assimilando l’intera storia dell’arte come un’unica, immensa banca dati di reference.

Dai modelli tradizionali ai Prompts: La reference non viene più cercata, studiata o ricopiata manualmente dall’artista, ma interpretata dall’algoritmo che sintetizza nuovi output sulla base di pattern statistici.

Il dibattito sull’Autorialità: Se Canaletto usava la camera oscura per velocizzare il tracciamento pur mantenendo il controllo compositivo e pittorico, oggi l’uso dell’IA solleva giusti interrogativi su dove risieda effettivamente l’atto creativo; non più nella scelta e selezione della reference, non più nella manualità dell’esecuzione. Dove si trova allora? La riflessione è aperta. Fermarsi qui è limitativo per un artista.

Apriamo un breve parentesi sulla origine dei dati utilizzati dalla AI generativa. Occorre tener conto sempre dell’origine del dato. È stato generato da noi o da terzi? Stiamo parlando di licenza. Non tutti i dati possono essere usati liberamente, soprattutto neo caso di dati raccolti da internet. Occorre prima verificare se il loro utilizzo è autorizzato per scopi formativi, se sono protetti da copyright, se è necessario un consenso esplicito, se esistono clausole restrittive o condizioni di utilizzo. Violare queste clausole e vincoli può portare a gravi conseguenze legali. Se vuoi approfondire puoi leggere L’AI ACT ( Regolamento UE 2024/1689) entrato in vigore il 1 agosto 2024. Qui noi parliamo di AI addestrata con le tue opere. Chiusa parentesi.

L’evoluzione della reference visiva traccia una linea di continuità nella storia dell’arte. Siamo partiti dal settecento quando era Strumento ottico-scientifico per misurare e riprodurre fedelmente la realtà (Canaletto). Passati nell’Ottocento quando divenne Strumento documentale per studiare il movimento e la luce anatomica (Fotografia, Impressionismo). Abbiamo attraversato il Novecento quando era Materia concettuale e citazionista al centro dell’opera (Dada, Pop Art, Iperrealismo).

Con il Contemporaneo è diventata Infrastruttura digitale imprescindibile per l’industria visiva e l’elaborazione dell’immagine.
Ritengo pertanto che la reference si conferma non come un ripiego o una scorciatoia, ma come un ponte costante tra l’osservazione del mondo esterno e la visione sintetica dell’artista. In questo senso anche l’ AI può considerarsi un medium.

[FILIPPO NOVELLI PER DETTI E FUMETTI – sezione ARTE – articolo del 1 ottobre 2026]

Oggi voglio parlarvi dell’impatto che sta avendo, secondo me, l’AI sull’Arte e su come usarla senza esserne sopraffatti.

L’AI secondo il parere di molti e’ arrivata nel mondo dell’ARTE come un tornado che diventera’ sempre piu’ grande e non ha trovato persone culturalmente attrezzate per reagire.

Non e’ la prima volta che una tempesta si infrange in questo mondo. Successe con l’invenzione della fotografia. Da allora l’ Arte e’ cambiata per sopravvivere all’impatto.

In un recente articolo che ho letto su persepolis viene spiegato bene il cambiamento. Ve lo riporto per poi proseguire insieme la riflessione sull’Ai.

“Tutti possono fare una tela bianca con una linea e addirittura tagliarla con un coltello ( Fontana) o attaccare una banana al muro ( Cattelan), ma il motivo per cui quella è considerata arte e la propria no risiede nell’evoluzione storica del concetto di arte stessa.

Per millenni, l’arte è stata una sfida tecnica dove il genio era chi, come Michelangelo o Caravaggio, riusciva a copiare meglio la realtà.

Con l’avvento della fotografia, copiare la realtà è diventato inutile, spingendo i pittori a concentrarsi su ciò che la macchina non poteva cogliere, come le impressioni di luce e vento. Nel ‘900 si è passati dal voler copiare il mondo al volerlo interpretare: attraverso il cubismo e l’astrattismo, l’opera ha smesso di rappresentare un oggetto (come un cavallo) per mostrare come l’artista “sente” quell’oggetto. Picasso stesso affermò che gli ci volle una vita intera per imparare a dipingere come un bambino.

Negli anni ’60 si è verificata una rivoluzione radicale: l’arte non è più l’oggetto, ma il pensiero. In questo contesto, l’opera non è più, ad esempio, una sedia fisica, ma la domanda stessa su “che cos’è una sedia” . Da qui derivano la Land Art, l’Arte Povera e le installazioni, dove l’idea non può essere replicata anche se l’oggetto lo è.

Il valore dell’arte contemporanea, quindi, non è nella mano, ma nella mente. Nel caso della celebre banana di Cattelan, l’opera non è il frutto, ma il dibattito che essa genera. Sebbene sia facile imitare un gesto, è difficilissimo inventarlo per primi nel contesto e nel momento giusto. In definitiva, la vera arte è sempre l’invenzione di un nuovo modo di vedere il mondo“.

Che paura ci puo’ fare l’AI se siamo consapevoli e pronti a reagire?

Se l’utilizzo dell’AI e’ dichiarato, se se ne fa un uso etico ( leggi: non usare l’ai per generare immagini che non abbiano come fonte quelle di altri artisti ma esclusivamente le proprie. La promulgazione di leggi di tutela per gli artisti e’ essenziale) allora l’AI diventa quell’amplificatore di potenzialita’ di cui fino ad oggi non si disponeva.

Esempi che mi vengono in mente:

Ricerca di parole, dati,correlazioni all’interno di migliaia di pagine in pochi secondi.

Interpolazione di immagini fisse per creare traiettorie in movimento e generare animazioni di una tua illustrazione.

Conversione di strumenti musicali in altri che non hai a disposizione e loro mixaggio e masterizzazione per evitare passaggi costosi in uno studio di registrazione vero e proprio.

In generale l’eliminazione (e la loro automazione) di passaggi manuali lunghi, noiosi e ripetitivi -a volte anche molto costosi – che spesso erano un muro che bloccava le potenzialita’ di un artista dall’attuare la propria opera ( liberare tempo per amplificare gusto, intuito, sensibilita’, la Visione, tutte doti umane che la macchina non ha)

Se della AI se ne fa un corretto uso,credo che assisteremo ad una democratizzazione dell’Arte.

Nello stesso tempo assisteremo alla evoluzione dell’artista.

Se vogliamo piu’ che una evoluzione, assisteremo ad un ritorno in chiave moderna dell’artista rinascimentale; periodo nel quale non si poteva piu’ restare semplici artigiani della matita, ma occorreva divenire scienziati (Leonardo oggi studierebbe il prompting engineering, l’arte di saper fare le domande giuste all’AI e riconoscere le sue allucinazioni che fanno scadere a livelli bassissimi un opera Ai), occorreva divenire direttori di orchestra, manger illuminati (la prima ingegnerizzazione di una bottega d’arte fu fatta da Raffaello che aveva decine di allievi che completavano le sue commissioni sotto la sua egida), occorreva essere visionari (pensate a Michelangelo quando progetto’ la cupola autoportante del Duono; oggi di cosa sarebbe capace con l’AI?)

Osvy direttore di orchestra di Filippo Novelli

In conclusione l’artista oggi se vuole accettare e vincere la sfida dell’AI deve evolvere scientificamente e strutturarsi culturalmente, acquisendo competenze che lo portino a controllare i nuovi mezzi a sua disposizione come un Direttore di Orchestra. Solo cosi’ potra’ abbattere muri e raggingere traguardi e opportunita’ nuove.

[ Filippo Novelli per DETTI E FUMETTI – SEZIONE ARTE, ARTICOLO DELL’8 FEBBRAIO 2026]